Guitarra Creativa

CLASES DE GUITARRA

2020-07-21T18:00:00.000-07:00

Hay un gran número de personas interesadas en estilos, técnicas, y asignaturas concretas, así como guitarristas con experiencia que desean cubrir lagunas o ampliar conocimientos en su formación. Así mismo, cantantes o músicos que toquen otros instrumentos, pueden aprovechar las clases teóricas igualmente.

Este es el esquema general de los diferentes enfoques que las clases pueden tomar:

Educación musical
- Solfeo, Lectura y Escritura.
- Teoría musical.
- Armonía moderna aplicada.
- Improvisación.
- Desarrollo rítmico.
- Transcripción.
- Análisis armónico y melódico.
- Entrenamiento del oído y Dictado musical.
- Arreglos y Fundamentos de Composición.
- Técnicas de aprendizaje y estudio. Desarrollo de la concentración, atención y memoria.
- Visualización. Aplicación práctica de conceptos teóricos.
- Piano Complementario.
Guitarra eléctrica
- Técnicas de mano derecha y pua (Alternate Picking, Speed Picking, Sweep Picking, Tapping, Scraping, Muting, Fingerpicking, Slapping).
- Técnicas de mano izquierda y Recursos Expresivos (Legato, String Skipping, Bending, Vibrato, Ármonicos y Deslizados).
- Comping y Chord Melody.
- Desarrollo de la sincronización, precisión y correcta articulación de ambas manos.
- Estilos modernos: Blues, Jazz, Funk, Rock, Metal, con sus derivados y fusiones.
- Análisis, técnicas, transcripción y repertorio característico de cada estilo.
- Afinaciones Graves y Drops.
- Guitarra de 7 cuerdas
Guitarra clásica
- Preparación para las pruebas de acceso al Conservatorio.
- Repertorio basado en el programa oficial de estudios del Conservatorio (Clásico, Barroco, Renacentista, Romántico y Contemporáneo).
Guitarra acústica
- Técnicas de Fingerpicking, Flatpicking, Chickenpicking y púa de pulgar.
- Bottleneck y Afinaciones inusuales.
- Estilos acústicos: Música de raíces americanas (Blues, Country, Ragtime, Bluegrass) Folk.
- Análisis, técnicas, transcripción y repertorio característico de cada estilo.

Para evitar los habituales problemas del estudio en grupo (distintos niveles y ritmo de avance, orientación de los contenidos y estilos, incompatibilidad horaria, etc) las clases son preferiblemente individuales y se pueden comenzar en cualquier momento del año.

ARTÍCULOS

2020-07-21T01:00:00.000-07:00

COLUMNA DIDÁCTICA.

Para dudas, comentarios o sugerencias para futuros artículos, podéis escribirme al correo y estaré encantado de responder.

VIDEOS

2020-07-19T06:25:00.000-07:00

RESPUESTAS

2019-09-02T05:23:00.000-07:00

Esta sección tiene por objeto compartir información útil con todos vosotros. Para ello responderé cualquier pregunta, intentando aportar luz sobre cualquier tema relacionado con la didáctica musical y la guitarra en concreto.

Para ello, dirige tus preguntas a guitarracreativa@gmail.com y las publicaré respondidas aquí lo antes posible.

¿Qué hacer con un niño al que le gusta la música?

2011-10-26T06:26:00.000-07:00

Hola Carlos,

Mi hijo tiene 7 años, empezó con el teclado hace 1 año y parece que le gusta mucho y se le da muy bien. Mi impresión como no experto es que las clases no no le dejan expresar mucho su creatividad, a mí me gustaría más algo que incluyera un poco de improvisación, creo que no estaría mal aunque sea pequeño, de hecho él solito se pone a intentar cosas y a cambiar las canciones que tiene que aprenderse. Hizo un poco (muy poco de guitarra) pero ya no tenemos profesor. No es que esté empeñado en que sea músico ni nada por el estilo pero me parece una oportunidad para que desarrolle capacidades muy interesantes. ¿Qué me recomiendas?.

Creo que la pregunta es un poco difícil :-), bueno si puedes ayudarme un poco te estaría muy agradecido.

Saludos,

Juan

RESPUESTA:

Hola Juan,

Curioso lo que me comentas, ya que yo lo viví casi exactamente igual, empecé de muy pequeño con el piano, que es lo que quería tocar. Después de un par de años de aburrirme en las clases decidí dejarlo y posteriormente me reenganché a estudiar música a través de la guitarra.

Mi consejo es que hables con sus profesores y te den su opinión con respecto a tu inquietud (perfectamente comprensible).
Es posible que te intenten convencer de que un método rígido y disciplinado, con poco o ningún espacio para el desarrollo de la creatividad es lo mejor para un niño...o quizá no. En el mundo académico abundan los docentes que se limitan a seguir el mismo procedimiento por el que ellos mismo aprendieron, y eso no es garantía de que vaya a funcionar con tu hijo.

Por otro lado te sugeriría que buscases a un profesor que fuera buen pedagogo y supiera transmitirle a tu hijo la diversión y el amor por hacer música.

Créeme, improvisar o componer no son tareas que se empiezan a hacer una vez llevas años estudiando. ¡Es como aprender un idioma! Aprendes dos o tres palabras y has de intentar "hablar con ellas" desde el primer momento. En música es exactamente el mismo proceso.

Además te diré que ser creativo, en cualquier ámbito, no quiere decir que tengas que dedicarte profesionalmente a ello, que en muchísimos casos es como se enfocan las clases de música, como una escuela de profesionales.
Desarrollar la creatividad me parece clave para el desarrollo de cualquier niño, y supone unos tremendos beneficios en su persona y en su vida.

Es mi opinión como alumno que he sido y como profesor que soy. Espero haberte servido de ayuda.

Un saludo

15 RAZONES POR LAS QUE APRENDER SOLFEO

2010-11-15T03:19:00.000-08:00

Frecuentemente, mis estudiantes me preguntan si es necesario aprender a leer y escribir música. Mi respuesta suele variar en función de la persona que me lo pregunta. Explicaré por que: dada la imposibilidad de homogeneizar todos los posibles enfoques musicales, no es presumible suponer que todos los músicos deban aprender y desarrollarse con las mismas herramientas y los mismos recursos. Esto es aceptable y lógico.

Es cierto que muchos guitarristas no echan de menos poder discernir el contenido de una partitura. Me atrevería a afirmar que esto pasa en gran medida por dos razones: por mero desconocimiento o por evitar el esfuerzo del aprendizaje, no por una decisión personal y calculada. Esto suele sucederle a la mayoría de guitarristas autodidactas o que no han estudiado música de manera formal.
El hecho es que no podemos extrañar algo que desconocemos, así que habría que empezar por plantearse seriamente, qué nos puede aportar el aprendizaje de la escritura y lectura del idioma universal de la música.

Aprender solfeo depende en gran medida de tu nivel, necesidades y aspiraciones en la música. Me parece la mejor solución, que cada cual examine sus intereses e intenciones musicales, y encuentre motivos acertados, para aprender este, nuestro lenguaje, disfrutando y creciendo en el proceso.

He elaborado una lista con 15 razones válidas para animarte a dar el paso. Es muy posible, que alguna o varias de ellas, te motiven a ampliar tu abanico de herramientas para hacer música:

1.PODER TOCAR MÚSICA QUE NO CONOCES DE ANTEMANO:

2.TOCAR MÚSICA DE MANERA PRECISA:

3.PODER TOCAR MÚSICA COMPLICADA DE TRANSCRIBIR:

4.PODER LEER Y ESCRIBIR MÚSICA PARA CUALQUIER INSTRUMENTO:

5.PODER COMUNICARTE CON CUALQUIER MÚSICO EN EL MISMO LENGUAJE:

6.PODER TRABAJAR CON PROGRAMAS DE INFORMÁTICA MUSICAL:

7.PODER ESCRIBIR MÚSICA PARA REGISTRARLA:

8.MEJORA TU PERCEPCIÓN DEL REGISTRO SONORO:

9.APRENDE DONDE ESTÁN TODAS LAS NOTAS EN LA GUITARRA:

10.PUEDES USAR EL SOLFEO PARA APRENDER OTROS INSTRUMENTOS:

11.LA MAYORÍA DE LOS LIBROS TEÓRICOS UTILIZAN ESTE LENGUAJE:

12.HERRAMIENTA COMPOSITIVA:

13.PUEDES TRABAJAR EN TU MÚSICA O ESTUDIAR SIN GUITARRA:

14.MEJORA TU CONOCIMIENTO E INTERIORIZACIÓN DEL RITMO:

15.APRENDER SOLFEO ES REALMENTE SENCILLO:

Tómate el tiempo necesario, y piensa en cada una de ellas tranquilamente. Trata de ver las cosas de manera objetiva, sincera y realista. Lo peor que te puede pasar, es que saques conclusiones beneficiosas.

EL MAL DE LA SEXTA CUERDA.

2010-08-23T10:49:00.000-07:00

Me gustaría hablar del estancamiento. De la aparente carencia de ideas que todos padecemos en algún momento, del consecuente desánimo y posterior aburrimiento que esto conlleva, y algunas ideas para superarlo.
En concreto vamos a centrarnos en el terreno de la creación de melodías. Y si hablamos de "creación" hablamos de composición, arreglos y/o improvisación.

Podríamos examinar nuestra habilidad para dotar de variedad rítmica a nuestras melodías, nuestros recursos expresivos, las técnicas que empleamos, nuestro uso de las dinámicas, de las texturas, y en definitiva cualquiera de los factores que afectan al hecho de generar una melodía. Pero no vamos a empezar la casa por el tejado: hablaremos de las notas que seleccionamos para trabajar.

Quiero plantear un pequeño esquema que analiza los niveles de información implicados en el uso de las tonalidades:

1. VISUALIZACIÓN:

2. NOMBRE DE LAS NOTAS:

3. FUNCIÓN INTERVÁLICA:

4. SONIDO:

Los cuatro puntos están íntimamente relacionados, pero por ahora solo me voy a referir al primero, dado que nuestro instrumento posee un fuerte componente visual, y si tenemos lagunas en dicha área, todo va a verse indudablemente afectado.
Ahora bien, ¿Que es conocer una tonalidad visualmente? Poder tocar cualquier modo, en cualquier tono, en cualquier punto del mástil, y ser capaz de ver las conexiones derivadas de dicho modo (sus acordes/arpegios relacionados) de forma cómoda y automática.

Vamos a empezar por evaluar nuestra habilidad para ver la red que forma una tonalidad sencilla. Puede ser cualquiera que conozcáis mínimamente. Si podéis evitar las que os resulten mas cómodas, mejor. De esa forma obtendréis resultados mas realistas en el ejercicio.
Seguro que un estudio atento de vuestras melodías revela numerosas tendencias, positivas y negativas. Curiosamente, una de esas tendencias negativas, pasa inadvertida a mucha gente, y se trata de uno de los mas comunes obstáculos y auto-zancadillas que observo en gran cantidad de mis alumnos cuando vienen a clase por vez primera.

Me gusta llamarla "el mal de la 6ª cuerda", y es la autolimitación de moverse en uno o unos pocos patrones. En concreto, en patrones que ubican la tónica en la 6ª cuerda, sobre todo en escalas, pero también en acordes y algo menos en arpegios. Tener esta referencia no es en sí algo negativo. Es el uso casi exclusivo que hacemos de ella lo que nos conduce a un mecanicismo nocivo: la repetición de los mismos patrones melódicos, el mismo tipo de fraseo, incluso las mismas tendencias rítmicas o las mismas técnicas. Y ahí tenemos sembrado el germen del estancamiento.

La música, como cualquier arte, nace de la imaginación. No tiene nada que ver con los aspectos físicos del instrumento, ni con nuestras particulares formas de proceder. Encontrar los patrones en el mástil, debería ser algo anecdótico para nosotros. Un mero trámite que nos habilita para la acción de tocar. Debemos hacer desaparecer las barreras entre las notas que imaginamos y donde están realmente en la guitarra. Y hay que aprenderlo con tal profundidad, que podamos trascenderlo y empezar a funcionar de forma intuitiva, emocional, no racional. Por supuesto, la habilidad de "no pensar" viene después de horas de estudio, repitiendo, interiorizando y desarrollando conceptos, de forma similar a alguien que aprende un idioma y llega a ser capaz de mantener una conversación, sin estar pensando si está hablando en "primera persona del singular". Eso es desarrollar un automatismo positivo, al servicio del oído, y una herramienta creativa imprescindible.

Te preguntarás qué beneficios vas a obtener de un profundo estudio visual de las tonalidades:

A) Ampliarás tu registro sonoro. Tus melodías no estarán limitadas físicamente.
B) Conocerás bien tu instrumento. Estés donde estés, no te sentirás perdido.
C) Las nuevas posiciones te ayudarán a tocar de otra manera. Estarás desarrollando nuevas tendencias melódicas.
D) Podrás tocar sobre cambios de tonos, creando melodías con modulación de una forma natural y musical.
E) Serás capaz de ver superpuestas diferentes opciones, y de esa manera implicar o mezclar diferentes sonoridades.
F) Tendrás un mapa firme y seguro en el que referenciar cualquier acorde, arpegio, escala, frase o concepto.

¿Qué estrategias puedes emplear para mejorar?

A) Memorizar cada dibujo en profundidad:

Aunque el objetivo final es "ver" el trastero en su totalidad, conviene empezar por asimilar dibujos parciales que pueda manejar bien la mano y que sean más sencillos de memorizar visualmente.
Presta atención a las posibles digitaciones incluidas en cada patrón. Por ejemplo, las escalas pentatónicas solo contienen intervalos de 2ª mayor (tres trastes) o 3ª menor (4 trastes). Esto te ayudará a recordarlos, relacionarlos y ensamblarlos para crear un solo dibujo global.
La técnica que dá el mejor de los resultados, es trabajar de forma mental, sin guitarra. Sencillamente imagina el mástil y donde se encuentran las notas del patrón que quieras trabajar. Empieza a moverte por ellas de todas las formas posibles.
Algo que a mi me funciona es visualizar las tónicas mayores dentro de triángulos, y las menores dentro de círculos. Hay quien utiliza diferentes colores. Experimenta y encuentra la manera de hacerlo que mejor resultado te dé.

Además de utilizar la memoria fotográfica para cimentar tu control visual, puedes (¿debes?) trabajar el resto de puntos mencionados anteriormente: nombre, intervalo y sonido. Todo ello sin poner un dedo en la guitarra.
Esta forma de estudiar tiene la gran ventaja de poder realizarse en cualquier sitio, sobre todo en esos momentos en los que no puedes disponer de tu instrumento para practicar.

B) Limitar la zona donde encontrar las notas de la tonalidad.

Frecuentemente, tocar dibujos completos, nos impide reconocer estructuras interiores a los patrones que manejamos.
Ponte diferentes límites y comprueba tus carencias visuales.
Por ejemplo:

-Toca las notas de una tonalidad o acorde horizontalmente en una sola cuerda, de esa forma reforzarás la unión de dibujos más pequeños y el desplazamiento por el mástil.

-Toca en diferentes grupos de cuerdas (2, 3, 4 y 5) en cualquier combinación posible de ellas (1-2-3, 1-2-4, 2-3-4, 2-3-5, 1-3-5, etc). Es especialmente útil para la aplicación de intervalos más amplios e inusuales.

C) Reconocimiento de tónicas:

Identifica en qué sitios aparece la tónica en cada dibujo. Prueba este ejercicio:

Coloca la mano en posición 5, alcanzando las tónicas con el dedo 1:

En la cuerda 6 La mayor.
En la cuerda 5 Re mayor.
En la cuerda 4 Sol mayor
En la cuerda 3 Do mayor.
En la cuerda 2 Mi mayor.
En la cuerda 1 La mayor.

Ahora las tónicas con el dedo 4 en el traste 8, siguiendo en posición 5:

En la cuerda 6 Do mayor.
En la cuerda 5 Fa mayor.
En la cuerda 4 Sib mayor.
En la cuerda 3 Mib mayor.
En la cuerda 2 Sol mayor.
En la cuerda 1 Do mayor.

Las tonalidades resultantes son indiferentes al propósito de este ejercicio. Lo que realmente cuenta es que puedas referenciar la escala deseada en el punto del mástil que sea necesario.
Ahora prueba a hacerlo con la escala menor natural y el resto de escalas que conozcas.

D) Tocar una misma tónica con diferentes tonalidades:

Esto tiene que ver con tu conocimiento de diversos modos y escalas y de su ubicación por la tónica.
Prueba a elegir una tónica en un punto, digamos Sol en el traste 10 de la 5ª cuerda. Haz de este punto tu referencia para tocar:

Sol Jónico (T 2 3 4 5 6 7 )

ahora bajando un semitono a la 7ª obtenemos:

Sol Mixolidio (T 2 3 4 5 6 b7)

Observa cómo el dibujo ha cambiado levemente. Es interesante pasar de un modo a otro con pocas notas de diferencia, para apreciar el movimiento reflejado en el mástil. Experimenta con más cambios :

Sol Mixolidio b13 (T 2 3 4 5 b6 b7)
Sol Eólico (T 2 b3 4 5 b6 b7)
Sol Frigio (T b2 b3 4 5 b6 b7)
Sol Mixolidio b9 b 13 (T b2 3 4 5 b6 b7)
Sol Mixolidio (T 2 3 4 5 6 b7)
Dórico #11 (T 2 b3 #4 5 6 b7)
Lidio Dominante (T 2 3 #4 5 6 b7)
Lidio (T 2 3 #4 5 6 7)
Lidio Aumentado (T 2 3 #4 #5 6 7)
Jónico Aumentado (T 2 3 4 #5 6 7 )

Puedes probar tantas combinaciones como escalas sepas. Quizá esto te anime a probar el uso de sonoridades nuevas y descubras cosas que te gusten. La idea es permanecer atento a los cambios en los intervalos, y como afectan a los patrones generados. Por supuesto, este ejercicio es extensible a acordes y arpegios, y debería realizarse eventualmente en todas las cuerdas. Llévalo tan lejos como te sea posible. Acaba el trabajo.

E) Tocar aleatoriamente por el mastil.

Ahora toca evitando utilizar frases o licks aprendidos. Tan solo "navega" por el mástil de forma libre. Modula a otras tonalidades y a otros modos, independientemente de donde se encuentre tu mano. Lo mejor que puedes hacer es tratar de tocar “donde no tiendes a tocar”, o sea moverte a las zonas que sientas inseguras. Líbrate de las lagunas que condicionan “donde eliges las notas”. Puedes utilizar el ciclo de 5as/4as para cubrir las 12 tonalidades en orden, o crear tu propio orden de tonalidades:

F) Enlaces:

Trabajar la unión de dos conceptos visuales unidos por un intervalo como referencia, como si superpusieras dos transparencias y vieras las notas en común de dos dibujos diferentes.

Un aspecto interesante del campo de la visualización, es que es igual de aplicable a nivel principiante, intermedio o avanzado, y que es totalmente independiente del estilo (o estilos) que toques y del enfoque que le des a tu música.
Todo el mundo puede encontrar material visual nuevo e interesante en el que trabajar: tonalidades, modos, inversiones, movimientos melódicos, ritmos armónicos, combinaciones interválicas, substituciones y demás conceptos teóricos. La lista es, como siempre, infinita.

¿Todavía sigues pensando que estás estancado?

SYMPHONY OF DESTRUCTION SOLO

2009-02-24T16:19:00.000-08:00

DON´T CRY SOLO

2009-02-24T04:46:00.000-08:00

Otro solo asequible, pero muy recomendable para aquellos que quieran mejorar su arsenal de recursos expresivos.

Preguntas Frecuentes

2008-09-16T07:37:00.000-07:00

¿Admites alumnos de cualquier nivel?

Tomo alumnos de cualquier nivel. No me importa admitir a principiantes absolutos. Cualquiera que tenga verdadero interés en aprender es bienvenido.

¿Con que guitarra debo empezar a tocar?

Una pregunta muy común que se responde con facilidad: la que quieras tocar.
Mucha gente que quiere tocar la guitarra eléctrica cree tener que comenzar antes con la española. Nada mas lejos de la realidad. Son dos instrumentos practicamente diferentes, y no necesariamente comparten el mismo enfoque en cuanto a las técnicas, sonido, estilos musicales, repertorio y demás.

¿Cuál es el método de clases?

Si bien es cierto que hago uso de los contenidos de los programas educativos de la "Berklee School of Music" de Boston, del "Musicians Institute" de Los Angeles y de los Conservatorios en guitarra clásica, nunca establezco cual ha de ser el método de las clases como algo fijo e inalterable. Es algo que se va revelando clase a clase, que es precisamente donde aparecen las particularidades de cada estudiante. "Andando se hace el camino..."

¿Donde das clase?

En la zona de la Asamblea de Madrid, al lado de la Avenida San Diego.
La salida de M-30 Méndez Álvaro y la parada de cercanías "Asamblea de Madrid" son las opciones mas rápidas.

¿Da clases a domicilio?

No me desplazo para impartir clase a domicilio, solo en mi estudio (ver respuesta anterior).

¿Provees del instrumento al alumno?

Siendo lo idóneo que cada alumno toque siempre con su propio instrumento, dispongo de todo tipo de Guitarras, amplificadores y equipo necesario para que mis estudiantes no tengan que desplazar nada a clase, si la situación así lo requiere.

¿En que horarios das clase?

Doy clase de lunes a viernes, de 10.00 a 14.00 por la mañana y de 15.00 a 22.00 por la tarde/noche.
Escríbeme un email o llámame para consultar horarios disponibles.

NOTHING ELSE MATTERS SOLO

2008-08-19T04:32:00.000-07:00

Finalmente y dada la gran cantidad de alumnos que quiere aprender este tema, me he decidido por hacer un video del solo de James Hetfield en Nothing Else Matters de Metallica.

Es un solo sencillo pero no por ello menos interesante. Está en Mi menor e implica la escalas pentatónica y eólica, con algún cromatismo o nota de paso. Personalmente creo que el punto clave a desarrollar es la expresividad, lo que se traduce en tener especial cuidado en la afinación y el timing de los bendings, vibratos, ligados y deslizados.

En primer lugar lo he tocado con la canción de fondo a velocidad normal, y posteriormente lo he dividido en cuatro fragmentos ralentizados para facilitar su estudio.

Recomiendo encarecidamente que intentéis tocarlo sin partitura o tablatura. El disco y el video os deberían proporcionar toda la información necesaria, así que prescindid de la vista y haceos un favor a vosotros mismos tocándolo de oído.

Si tenéis alguna duda contactad conmigo através del correo.

LOS 3 GRANDES BLOQUES

2007-07-30T08:06:00.000-07:00

Cada cierto tiempo suelo hacer un ejercicio de introspección. Me pregunto de dónde vengo. Hacia dónde voy. En qué aciertos y errores he incurrido. Y en definitiva, cuánto y cómo he crecido musicalmente. Esto siempre me lleva a cuestionar en qué debo enfocarme y la dirección que han de tomar mis horas de estudio y práctica.

El truco consiste en hacerme la gran pregunta : ¿Qué sabes?
Una vez me tomo el suficiente tiempo para pensar en ello, siempre concluyo con la famosa frase de Sócrates: “Solo sé que no sé nada”. Esta respuesta cobra sentido, al plantearse qué está usando uno al hacer música. En vez de pensar en innumerables estilos, técnicas y recursos de todo tipo, simplifico y descompongo todo hasta reducir los conceptos a la mínima expresión. Siendo pragmático, concreto pues, la pregunta: ¿Qué se usa al hacer música? “Cuando hacemos música usamos sonidos ordenados en el tiempo”.

Hoy me centraré sólo en el concepto de sonido, y dejaremos la revisión del universo métrico/rítmico para otra ocasión. Evidentemente, no nos limitamos a tocar notas de forma aleatoria. Y aquí es donde concluyo con mi reflexión, con las formas de ordenar esos sonidos.

¿De cuántos sonidos estamos hablando? Un hecho es que en la música occidental disponemos de 12 notas: 7 naturales y 5 enarmónicas. Con tan solo 12 sonidos (repetidos, eso sí, desde el registro grave al agudo) se crea toda la música que oimos (Obviaremos la existencia de los intervalos microtonales existentes en la música vocal, oriental, flamenco, bends, etc).

Ahora aclaremos 3 conceptos básicos, de la forma más sencilla posible:

¿Qué es una escala? Es una sucesión de sonidos.

¿Qué es un acorde? Es un conjunto de 3 o más sonidos simultaneos, dispuestos de forma vertical.

¿Qué es un arpegio? Es la interpretación melódica de un acorde, haciendo sonar las notas en sucesión ascendente o descendente.

Me gusta pensar que todo se reduce a estos “3 Grandes Bloques”, y digo 3 porque en la práctica los arpegios se estudian, se usan y se perciben de forma diferente a los acordes. La historia de la música nos muestra cómo las combinaciones de estos 12 sonidos (no necesariamente todos ellos) dan lugar a las escalas. Las escalas dan lugar a la creación de acordes, y los arpegios son acordes en sí mismos. Estas 2 formas de agrupar sonidos, darán lugar a la armonía (leyes sobre la combinación de los sonidos), el contrapunto (2 o mas melodías que suenan simultáneamente), la Fuga y demás recursos.

Esta relación resulta clarificadora:

ESCALAS, disposición horizontal de las notas (Melodía).

ACORDES, disposición vertical de las notas (Armonía).

ARPEGIOS, al encontrarse a medio camino entre la armonía (ya que solo utilizamos notas de los acordes) y la melodía (hacemos un uso melódico de esas notas) podémos pensar en una disposición “diagonal”, que también resulta apropiada dada la situación geográfica en el mastil.

Un ejercicio de análisis muy interesante sería oir música, y tratar de identificar qué tipo de bloque está sonando. Propongo unas ideas:

Un solo de Jazz (Trompeta).
Una Banda Sonora (Orquestal).
Una Guitarra Flamenca.
Un obra de Chopin (Piano clásico).
Un riff de Guitarra Rock.
Una Coral.

Ten en cuenta la posibilidad de oir 1, 2 o incluso los 3 bloques simultáneamente.
Estoy seguro que una escucha atenta te proporcionará toda la información que necesites.
Si dispones de música escrita de lo que estés oyendo podrás comprobar mejor cuando se da cada caso.
Esto es solo un ejemplo, ahora ve a bucear entre tus discos o incluso pon la radio y escucha atentamente.
Este ejercicio rendirá el máximo beneficio si lo realizas en música que no sea habitual para ti.

Siempre es muy positivo ser autocrítico y echar un vistazo a nuestro arsenal de recursos.
Es el momento de reflexionar sobre nuestro propio trabajo. Plantéate algunas cosas:

¿Qué bloques usas de los 3?

¿Es posible adaptar su uso a la música que quieres hacer?

¿Con qué profundidad los conoces?

Conocer los dibujos es solo el primer paso.
Continua memorizando e interiorizando como suena, y estudia su estructura armónica para hallar sus aplicaciones prácticas.
De esta forma te asegurarás que estás abordando el asunto de forma visual (al usar la memoria fotográfica), Intuitiva (al familiarizarte con su sonido) y teórica (para expandir su uso y mezclarlo con tus conocimientos previos).

Tener control sobre los 3 te aportará “verdadera libertad” a la hora de tocar en cualquier ámbito, ya sea improvisando, acompañando, interpretando, componiendo…

Sé ecléctico, sé abierto, cuestiónate cosas, aprende de tus oidos y disfruta.

CONTACTO

2007-07-19T06:26:00.000-07:00

Puedes contactar conmigo a traves de E-mail o Google Talk:

guitarracreativa @ gmail . com

También puedes llamarme al teléfono

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FILOSOFÍA

2007-07-19T06:22:00.000-07:00

“No creo en el método de enseñanza definitivo”.

Esta frase resume el concepto clave de mi visión pedagógica. El aprendizaje de una disciplina artística tiene tantas posibilidades de transmisión como enfoques se le puedan dar al propio arte, es decir, “infinitos”.

Esto no pretende que estudiar sea una empresa caótica ni caprichosa. La disciplina, la constancia y una dirección bien definida son imprescindibles para lograr resultados, pero ello no implica anular la personalidad de un estudiante, ni imponer rígidos métodos que en muchos casos lo único que consiguen es hastiar y desgastar la motivación del alumno e incluso la del profesor.

Conscientemente, he tratado de evitar la mecanización de la docencia, tratando de hacer justo lo opuesto a los programas de estudios de conservatorios, universidades y escuelas de música. Comprender a un alumno es conocerle personal y musicalmente. Saber cómo se proyecta tocando en el futuro. Averiguar sus puntos fuertes para potenciarlos y desarrollarlos, y sus puntos débiles para superarlos. Es por ello que cada persona es un caso independiente, único, individual, con necesidades específicas...